Mark Bradford
Nach der Arbeit mache ich einen Abstecher in den Hamburger Bahnhof. Hier wird moderne Kunst gezeigt wie Ihr wisst.
Aktuell ist Mark Bradford Keep Walking dort. Ein beeindruckender Künstler, der sehr kritisch mit aktuellen Themen umgeht. Anbei eine Übersetzung eines amerikanischen Beitrages. In Deutschland ist er wohl noch wenig bekannt!
Mark Bradford (geboren am 20. November 1961) ist ein amerikanischer bildender Künstler. Bradford wurde in Los Angeles geboren, lebt und arbeitet dort und studierte am California Institute of the Arts. Er ist bekannt für seine collagierten Gemälde, die international ausgestellt wurden, aber auch für seine Video-, Druck- und Installationsarbeiten. Bradford war der US-Vertreter für die Biennale von Venedig 2017. Er wurde in die Liste der 100 einflussreichsten Menschen des Jahres 2021 des Time Magazine aufgenommen.
Leben
Bradford wurde in South Los Angeles geboren und wuchs dort auf. Seine Mutter hatte einen Schönheitssalon in Leimert Park gemietet. Bradford zog mit seiner Familie in ein überwiegend weißes Viertel in Santa Monica, als er 11 Jahre alt war, aber seine Mutter behielt ihr Geschäft im alten Viertel bei. Bradford arbeitete zeitweise in ihrem Laden. Als Bradford die High School abschloss, erwarb er seine Friseurlizenz und begann im Salon seiner Mutter zu arbeiten.
Bradford begann sein Studium am Santa Monica College und wechselte dann zum California Institute of the Arts, das er 1991 mit 30 Jahren abschloss. 1995 erwarb er einen BFA und 1997 einen MFA.
Bradford ist für seine rasterartigen abstrakten Gemälde bekannt, in denen er Collagen mit Farbe kombiniert. Seine Werke bestehen aus Schichten von Papier und Schnüren, die er mit verschiedenen Werkzeugen und Techniken bearbeitet, darunter Fugenhobeln, Reißen, Zerreißen, Kleben, Hochdruckreinigen und Schleifen.
Während seiner gesamten Laufbahn sammelte Bradford „Händlerplakate“, gedruckte Blätter, die für Dienstleistungen warben und in der Nachbarschaft aufgehängt wurden. Dem Kritiker Sebastian Smee zufolge „warben die Plakate für billige Übergangswohnungen, Verhinderung von Zwangsvollstreckungen, Lebensmittelhilfe, Schuldenerlass, Perücken, Jobs, DNA-Vaterschaftstests, Waffenausstellungen und schnelles Bargeld sowie für Rechtsberatung für Einwanderer, Sorgerecht und Scheidung“
Bradford bezieht manchmal Vorstellungen von Männlichkeit und Geschlecht in seine Arbeit ein, wobei er auf seine Erfahrungen als schwuler Mann zurückgreift.
Werke
2006 malte Bradford „Scorched Earth“ und „Black Wall Street“, die auf dem Ethnie-Massaker von 1921 in Tulsa basieren. Bradford griff das Thema in seinem Gemälde „Tulsa Gottdamn“ von 2021 anlässlich des hundertjährigen Gedenkens an das Massaker wieder auf.
Bradfords Collage Orbit (2007) enthält das Bild eines Basketballs aus einer Zeitschrift inmitten eines dichten Gitters von Straßen in Los Angeles. Durch die kumulativen und subtraktiven Prozesse der Collage und Décollage, die mit Farbe überlagert werden, entsteht Orbit als Luftaufnahme einer sich verformenden, mutierenden und verfallenden Stadt, deren winzige, verschlungene Straßengitter ihre strukturelle Integrität nicht mehr bewahren können. Das Bild erinnert an Basquiats Ikonografien schwarzer Sporthelden, aber Bradfords Behandlung ist weitaus ambivalenter; ist der mit dem Basketball verbundene Traum ein Leuchtfeuer der Hoffnung oder ein falsches Versprechen auf den einfachsten Ausweg aus der Innenstadt?
Bradfords A Truly Rich Man is One Whose Children Run into His Arms Even When His Hands Are Empty (2008) ist fast drei Meter breit und drei Meter hoch. Laut Maxwell Heller in The Brooklyn Rail erinnert es an die verkohlten und zertrümmerten Windschutzscheiben von Autos, die bei Unruhen verbrannt wurden – schwarz, mit Lichtschlieren durchzogen, glatt. Er fährt fort, dass das Studium von Abschnitt zu Abschnitt Spuren des sinnlichen, taktilen Prozesses des Künstlers bietet, der zarte Schichten von gefundenem Material enthüllt, das geschnitten und geschliffen, lackiert und geklebt wurde, bis es sich verwandelt hat.
Bradfords Praxis umfasst auch Video, Druck und Installation. Seine Installation Mithra (2008) ist eine 70 x 20 x 25 Fuß große Arche, die aus geborgenen Sperrholzzäunen gebaut wurde. Er verschiffte sie nach New Orleans für Prospect New Orleans, eine Ausstellung zeitgenössischer Kunst zum Gedenken an den Hurrikan Katrina. Im selben Jahr schuf er eine vom Hurrikan Katrina inspirierte Installation auf dem Dach der Steve Turner Contemporary Gallery gegenüber dem Los Angeles County Museum of Art. Sie wurde auf der 55. Carnegie International erneut aufgeführt.
Im Jahr 2012 sprach Bradford den Soundtrack zu dem 30-minütigen, ortsspezifischen Tanzduett Framework des Choreografen Benjamin Millepied in Verbindung mit der Ausstellung The Painting Factory:Abstraction after Warhol im Museum of Contemporary Art, Los Angeles.
2015 schuf Mark Bradford im Rahmen des MATRIX 172-Programms des Museums Pull Painting 1, eine von Sol LeWitt inspirierte, ortsspezifische Wandzeichnung entlang einer 60 Fuß langen Wand im Wadsworth Atheneum. Hierfür trug Bradford dichte Schichten aus leuchtend farbigem Papier, Farbe und Seil auf.Er schmirgelte, schälte, strippte und schnitt von der Wand ab, um die strukturierte Komposition zu schaffen.
Im selben Jahr schuf Bradford Waterfall (2015) für seine Ausstellung mit dem Titel Be Strong Boquan bei Hauser & Wirth, 18th Street, New York.
Waterfall besteht aus Papier- und Seilresten, die von einem Pull-Painting abgezogen wurden. Dessen Oberfläche wurde durch Überlagerung von Leinwand mit abwechselnden Blättern aus Plakatpapier und Seil aufgebaut. Durch das Ziehen von Schnüren über die Leinwand schuf Bradford lange faserige Bänder aus farbigem Papier, die die Archäologie ihres Trägers offenbaren.
Ebenfalls 2017 schuf Bradford „150 Portrait Tone“, ein Wandgemälde im Los Angeles County Museum of Art. Das Wandgemälde zeigt den Text des 911-Anrufs von Philando Castiles Freundin Diamond Reynolds.Auf der Website des LACMA heißt es: „Der Titel 150 Portrait Tone bezieht sich auf den Namen und den Farbcode der rosa Acrylfarbe, die für das Gemälde verwendet wurde.Wie der inzwischen obsolete „Flesh“-Stift in der Crayola-64-Schachtel (1962 in „Peach“ umbenannt) enthält die Farbe „Portrait Tone“ inhärente Annahmen darüber, wer genau abgebildet wird. Im Kontext von Bradfords Gemälde ist der Titel ein ernüchternder Kommentar zu Macht und Repräsentation.“
